Edicion XV – Abril 2024

ARREBOL

En La edición 15 de Residencia Epecuén el bosque blanco se arrebola en presencia de las artistas.

Nos congregamos frente al matadero para honrar este bosque inerte. Invocamos la memoria y nos reunimos para resignificar este espacio. Ponemos en valor la luz que atraviesa el atardecer y danzamos con las presencias arbóreas quedadas en el olvido. Resignificamos sus materiales, los descubrimos, los tocamos, los atravesamos. Hacer para entender.

María Villanueva

Residentes EDICIÓN XV

Trabajo con el detalle como punto de partida. Desde esa cercanía se genera una intimidad que me permite otro conocimiento, más horizontal. Lo sensorial me lleva a encontrar vitalidad y también, sensualidad. Explorar la presencia, y también cómo la ausencia permanece, en cierta vibración. Aquello que fue y aquello que es conviven en una especie de desdoblamiento, una yuxtaposición infinita. Aprehender y transmitir, uniendo sensibilidades.

Recorridos táctiles es un proyecto de exploración íntima y sensorial del territorio de Epecuén. Árboles, ruinas, objetos, todo tiene igual jerarquía en esta forma de aprehender el paisaje. La metodología es simple: tocar eso que se quiere conocer y dejar que la mano nos guíe. La acción incluye al espectador. Se le entrega una guía para realizar la exploración táctil y un mapa de los lugares elegidos, además de la promesa de una recompensa: en cada lugar hallará un secreto en forma de dibujo.

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La metodología de trabajo de María José es un proceso meticuloso que se inicia con la escritura, donde la poética de las palabras actúa como fuente de inspiración y orientación para sus exploraciones visuales. Este diálogo entre la palabra escrita y la expresión visual le permite encontrar los puntos de partida de sus obras, así como establecer claros objetivos creativos. Cada proyecto es abordado con una entrega apasionada, considerando cada obra como una prioridad en su vida, cada obra es una oportunidad para compartir su lado más vulnerable, estableciendo así una conexión íntima y auténtica con su audiencia.

Este proyecto presenta una exploración poética  del territorio a través de diversas etapas y medios. El propósito principal es dar visibilidad a otras perspectivas y discursos que pueden enriquecer la creación en el territorio. Mediante la escritura, la ilustración digital, la animación y el tejido para producir una ruptura en el paisaje y (re)conocer el territorio desde otros lugares.

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Describiría mi línea de trabajo como una trenza en que confluyen todas las disciplinas que amo. La cerámica, el textil, la performance, la música, la poesía y el cine. Mis obras suelen abarcar por lo menos dos de estas áreas a la vez, y siendo las más complejas una combinación de todas las anteriores. Entre las temáticas que actualmente más representan mi cuerpo de obra, está la sintetización del tiempo, especialmente por medio del lenguaje textil, diversas indagaciones respecto a la subjetividad y aquello que la compone, por medio de esculturas blandas y poema-instalaciones, y también la reinterpretación de diversos instrumentos e imaginarios adivinatorios, como el tarot y los sellos mágicos, a través de la cerámica. Quiero reproducir con mi obra una forma de conmoción que reconecte al otro con su niño interior, pues creo que al traerlo al presente logramos tener perspectiva sobre el tiempo vivido y desarrolla nuestra compasión frente al dolor del otro. De alguna manera siento que, al jugar con el niño que fuimos, nos acercamos a una experiencia divina sin necesidad de deidades particulares.

Mi proceso de obra durante Residencia Epecuén abarcó dos proyectos principales, uno en torno a una serie de librobjetos que recopilan fotografía del territorio, y otro que consiste en una instalación textil semitransparente. En ambos proyectos, trato de interpretar y sintetizar los símbolos que se desprenden del paisaje, por lo que llamo a este conjunto de obra y ejercicios “Paisaje Oracular”.

La serie de librobjetos tuvo como objetivo descifrar el lenguaje oculto de las cosas inertes, a partir de la interpretación de los elementos del territorio de Epecuén. Mi intención fue capturar el testimonio del paisaje respecto a lo que ha acontecido en el lugar a lo largo de los años, al margen de la emocionalidad y relatos humanos.

Por otro lado, la segunda parte de mi investigación se centró en la confección de un mural textil semitransparente, basado en un dibujo que recopila las siluetas características del territorio Epecuén – Carhué. Mi objetivo fue crear una obra de grandes dimensiones, recorrible e instalativa que pudiera dialogar con el paisaje.

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Catalina Rautenberg describe su hacer como un viaje en el que presenta sus valores y sus conceptos del arte textil al público a través de sus prendas.
El recupero y consumo responsable son la base con la que se desarrollan las piezas para portar
de la autora. En ellas describe paisajes que emergen de su imaginario. Oníricos o existentes, cada prenda deja traslucir un universo de sensaciones y estados. Lo que cata describe como “la experiencia Rautenberg”. Indaga, busca, se detiene a “ver” el potencial de lo encontrado, tiñe, recorta, ensambla y genera texturas únicas e irrepetibles.

DE: EPECUÉN. Dejarme impresionar. Buscando colores aparecieron las sensaciones. Descubriendo las sensaciones aparecieron los objetos. Tomando os objetos se dieron las formas que contaban mis sensaciones y colores
DE: EPECUÉN.
DE:CIELO
DE: BARRO
DE: SAL
DE: HUELLAS
DE: ARREBOL
Prendas-batas intervenidas en el entorno con barro ,sal , agua, tintes y foild.
DE: ESCUCHA.  metal y plumas.
DE: PROTECCION.metal
DE: AMULETO hueso
DE: EMOCIONES madera
DE: CORTEZA
DE:TIEMPO
objetos para portar

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Mujer, nacida y criada en la ciudad de São Paulo. Adepta de la meditación trascendental, reconozco cuerpo/espíritu. Mi arte está conectada a la vida, aquello que veo y absorbo al caminar y en las relaciones con el otro. Mi universo pictórico está magnetizado por la temática del mundo simbólico y del misterio. La construcción visual se caracteriza por la manera de manejar los materiales de modo que instaura resultados en los que la gestualidad se hace presente como una entrega al trabajo. La búsqueda se da en la forma de hacer las obras y traer a la superficie otro mundo, nuevo en el sentido de mostrar algo que no está fácilmente a la vista. Es una reflexión permanente sobre la propia existencia del arte como manera de instaurar diálogos significativos. 

Esas conversaciones plásticas se dan por el perfeccionamiento técnico y de un lenguaje capaz de generar impacto en quien la contempla. El acto de manejar los colores tiene gran relevancia en este proceso de desarrollo de una identidad. Hay un proceso permanente de utilizar las tonalidades y la dilución de las formas para desvelar nuevos mundos que llevan a reflexionar sobre el significado del arte y de la existencia.

Me gusta sentirme artista. Veo arte, hago arte, hablo arte, hablo de mí en las diversas formas de la materia. Pues en la palabra me es difícil expresar mis cuestiones y sentimientos.

Fue gratificante la residencia con otras 7 mujeres. Sin duda fue un encuentro mágico, lleno de simbologías. Al final, me parece que todas nosotras conocemos los rituales de la feminidad.

Todas las experiencias me fueron muy buenas. Aquello que conseguí absorber de este encuentro me trajo alegría.

Podría haber mejor absorbido la energía tan auspiciosa que estaba. Siento que podría captar más alto si no diera algunos “foras”, algunos vacilones.

Aun así, siento alegría, pues tuvimos momentos de gran sintonía.

El “footing”, en Carhué, se hace dentro del coche andando a 3 km/h, en la avenida principal de la ciudad. Una ciudad inhóspita para el encuentro, a pesar de poseer una plaza bellísima. Inhóspita, seca, fuego es también el paisaje. Fuego y Tierra fue lo que fui a buscar allí.

Fernanda Cobra

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“I’m often asked if I always knew I was going to be an Artist, or if this was all a childhood dream, come true. My answer is always, ‘well, no.’

Simply because that dream was not culturally, economically or socially available to me.

So, to be a full-time professional Artist today is beyond a dream come true. It’s a dissolving of one world, and a leap into another. A world that I hope to make accessible to everyone through my work.

My art practice varies in medium, technique and style- and it’s very much a reflection of all of the things that I am. Sometimes traditional and pragmatic, other times, at the cutting edge of technology and entertainment. Sometimes, small, minimalist and powerfully muted, other times, vibrant, big and notably influential. 

What ties it all together is the glyph found in my artist signature- the three triangles represent a process: to challenge, to create, to transform.

Through my art- whether it’s delivered as a mural on the side of a building, a workshop delivered to at-risk groups, or a commercial art campaign- I’m always trying to bring to life something that challenges the status quo, creates beauty and interest, and transforms empty space into shared experience.  “

During Residencia Epecuen, we heard of the wonderful ways the ecosystem was coming into balance and how populations like the Flammingo, are now thriving. 

This mural celebrates the beauty, balance and nature that is happening in both Epecuen and Carhue. And of course, we included the Phalarope bird- a favourite bird of Veve’s that migrates from Canada to Argentina every year. 

Like that bird, I’ve come to this town, and have found a community and a beautiful story of belonging and nature.”